Coleman Hawkins All Star Band • At Newport

 

Eddie ''Lockjaw Davis'' - Buddy Tate - Coleman Hawkins - Arnett Cobb • Very Saxy

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis and his quartet (which includes organist Shirley Scott, bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill) welcome three immortal tenors (Coleman Hawkins, Arnett Cobb and Buddy Tate) to what became a historic and hard-swinging jam session. On three blues, an original based on the chord changes of "Sweet Georgia Brown" and "Lester Leaps In," the four tenors battle it out and the results are quite exciting. The spirited music on this memorable LP will hopefully be reissued on CD eventually, for the performances live up to their great potential.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista tenor Eddie "Lockjaw" Davis y su cuarteto (que incluye a la organista Shirley Scott, el bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill) dan la bienvenida a tres tenores inmortales (Coleman Hawkins, Arnett Cobb y Buddy Tate) en lo que se convirtió en una jam session histórica y llena de fuerza. En tres blues, uno original basado en los cambios de acordes de "Sweet Georgia Brown" y "Lester Leaps In", los cuatro tenores se enfrentan y los resultados son bastante emocionantes. Es de esperar que la animada música de este memorable LP se reedite en CD, ya que las interpretaciones están a la altura de su gran potencial.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

VA • Saxophone 'N' Jazz

 

Charlie Parker, Stan Getz, Dexter Gordon, Sonny Rollins, John Coltrane, Gerry Mulligan, Wayne Shorter, Steve Lacy, Lester Young, Coleman Hawkins, Art Pepper, Woody Herman, Gene Ammons, Yusef Lateef …

Sir Charles Thompson • His Personal Vanguard Recordings [1953-55]

 

Tony Scott • 52nd St. Scene & Free Blown Jazz

 

VA • The Tenor Sax Album

 

Coleman Hawkins • The Hawk Relaxes

 

Review by Michael G. Nastos
It is said that one grows wiser and mellower with age, as proven by this recording from Coleman Hawkins that is a successful follow-up to his previous Moodsville album At Ease. There is a difference, as Kenny Burrell joins the legendary tenor saxophonist in this quintet setting, with no threat of upstaging or even a hint of any real showcasing of the guitarist's then developing laid-back side. Underrated Ronnell Bright is on the piano, and also proves a veritable equal to Hawkins even more than Burrell. But it is the burgeoning talent of bassist Ron Carter and drummer Andrew Cyrille who mark their territory, not as the maverick individualists they would become, but as supple performers who understand the strength of Hawkins from a modest standpoint. Not all ballads, the fare is standard American popular song played for people sitting by the fire, the calm ocean, or late at night with a sweetheart over candles and wine. Any version of a well-known tune can be made classic by Hawkins, as heard during the somber "I'll Never Be The Same," the straight ballad "Under a Blanket of Blue" with the tenor's slight fluttery trills, or "Just a Gigolo" where the spotlight is firmly focused on the leader's droll tones. Burrell's strumming on "When Day Is Done" signifies a downplayed, wound down feeling, and where he generally chooses a sublimated role in these recordings, he does come out with a strong lead melody for the soulful ballad "More Than You Know." The modified tunes on the session are the midtempo take of "Moonglow" as Hawkins adopts some of Lester Young's swagger as Cyrille's nimble brushwork keeps the song moving forward. "Speak Low" is interpreted in a sleek and seductive calypso beat ably conjured by the drummer, a nice touch to end the album. This quintet -- as unique as any Hawkins ever fronted -- speaks to his open mindedness, but more so to his innate ability in adapting musicians to his situational hitting. The Hawk Relaxes is one of his best latter period efforts. 
https://www.allmusic.com/album/the-hawk-relaxes-mw0000276235

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Reseña de Michael G. Nastos
Se dice que uno se vuelve más sabio y meloso con la edad, como lo demuestra esta grabación de Coleman Hawkins que es una continuación exitosa de su álbum anterior de Moodsville, At Ease. Hay una diferencia, ya que Kenny Burrell se une al legendario saxofonista tenor en este escenario de quinteto, sin amenaza de eclipsar o incluso un indicio de una exhibición real del lado relajado en desarrollo del guitarrista. El subestimado Ronnell Bright está al piano, y también demuestra ser un verdadero igual a Hawkins incluso más que Burrell. Pero es el talento floreciente del bajista Ron Carter y el baterista Andrew Cyrille quienes marcan su territorio, no como los individualistas inconformistas en los que se convertirían, sino como intérpretes flexibles que entienden la fuerza de Hawkins desde un punto de vista modesto. No todas las baladas, la tarifa es una canción popular estadounidense estándar interpretada para personas sentadas junto al fuego, el océano en calma o tarde en la noche con un amor con velas y vino. Hawkins puede convertir en clásica cualquier versión de una melodía conocida, como se escucha durante la sombría "I'll Never Be The Same", la balada directa "Under a Blanket of Blue" con los ligeros trinos ondulantes del tenor, o" Just a Gigolo", donde el centro de atención está firmemente centrado en los divertidos tonos del líder. El rasgueo de Burrell en "When Day Is Done" significa un sentimiento minimizado y relajado, y donde generalmente elige un papel sublimado en estas grabaciones, sale con una fuerte melodía principal para la balada conmovedora " More Than You Know."Las melodías modificadas en la sesión son la toma de medio tiempo de "Moonglow", ya que Hawkins adopta algo de la arrogancia de Lester Young mientras la ágil pincelada de Cyrille mantiene la canción avanzando. "Speak Low" se interpreta en un ritmo de calipso elegante y seductor hábilmente conjurado por el baterista, un toque agradable para terminar el álbum. Este quinteto, tan único como cualquiera que Hawkins haya liderado, habla de su mentalidad abierta, pero más aún de su habilidad innata para adaptar a los músicos a su golpe situacional. El Halcón se Relaja es uno de sus mejores esfuerzos de último período. 
https://www.allmusic.com/album/the-hawk-relaxes-mw0000276235

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#1

 

It all started with Adolphe Sax, a Belgian instrument inventor. In 1842, he attached a clarinet mouthpiece to a brass creation and named it the saxophone. Because of its metal, conical body, the saxophone was capable of playing at volumes much higher than other woodwinds. Used in military bands in the 1800s, it took a while for the saxophone to be taken seriously by musicians. Now, it is a staple instrument in jazz and also has a role in music genres ranging from classical to pop.

Here is a brief history of the progression of jazz saxophone playing styles, structured around the stories of jazz figureheads.

Sidney Bechet (May 14th, 1897 - May 14th, 1959)
A contemporary of Louis Armstrong, Sidney Bechet was perhaps the first to develop a virtuosic approach to the saxophone. He played the soprano sax and, with his voice-like tone and bluesy style of improvisation, he boosted the involvement of the saxophone in early jazz styles.

Frankie Trumbauer (May 30th, 1901 - June 11th, 1956)
Alongside trumpeter Bix Beiderbecke, Trumbauer presented a refined alternative to the "hot jazz" of the first few decades of the 1900s. He rose to fame in the 1920s for recording "Singin' the Blues" on the C-Melody saxophone (halfway between the tenor and alto) with Beiderbecke. His dry tone and calm, introspective style influenced many later saxophonists.

Coleman Hawkins (November 21st, 1904 - May 19th, 1969)
One of the first virtuosos on the tenor saxophone, Coleman Hawkins became renowned for his aggressive tone and melodic creativity. He was a star of the Fletcher Henderson Orchestra during the swing era in the 1920s and '30s. His application of advanced harmonic knowledge to improvisation helped pave the way for bebop.

Johnny Hodges (July 5th, 1906 - May 11th, 1970)
Hodges was an alto saxophonist best known for leading Duke Ellington's Orchestra for 38 years. He played the blues and ballads with unrivaled tenderness. Heavily influenced by Sidney Bechet, Hodges' tone wailed with a fast vibrato and a bright timbre.

Ben Webster (March 27th, 1909 - September 20th, 1973)
Tenor saxophonist Ben Webster borrowed a raspy, aggressive tone from Coleman Hawkins on blues numbers, and invoked Johnny Hodges' sentimentality on ballads. He became a star soloist in Duke Ellington's Orchestra and is considered one of the three most influential tenor players of the swing era, along with Hawkins and Lester Young. His version of Ellington's "Cotton Tail" is one of the most famous recordings in jazz.

Lester Young (August 27th, 1909 - March 15th, 1959)
With his smooth tone and laid-back approach to improvisation, Young presented an alternative to the gruff styles of Webster and Hawkins. His melodic style more reflected that of Frankie Trumbauer, and his "cool" expression lead to the cool jazz movement.

Charlie Parker (August 29th, 1920 - March 12th, 1955)
Alto saxophonist Charlie Parker is credited with developing the lightning-fast, high energy bebop style alongside trumpeter Dizzy Gillespie. Parker's incredible technique along with his grasp of rhythm and harmony made him the object of study of virtually every jazz musician at some point in their development.

Sonny Rollins (b. September 7, 1930)
Inspired by Lester Young, Coleman Hawkins, and Charlie Parker, Sonny Rollins developed a bold and quirky melodic style. Bebop and calypso have been featured prominently throughout his career, which is marked by continual self-questioning and conscious evolution. In the late 1950s, after firmly establishing himself as one of the top call tenor players, he abandoned his career for three years while searching for a new sound. During this period, he practiced on the Williamsburg Bridge. To this day, Rollins is evolving and seeking out styles of jazz that will best express his ebullient musical character.

John Coltrane (September 23rd, 1926 - July 17th, 1967)
Coltrane's influence is one of the most remarkable in jazz. He began his career modestly, attempting to emulate Charlie Parker. In the 1950s, he found wider exposure through his gigs with Miles Davis and Thelonious Monk. It wasn't until 1959, however, that it seemed that Coltrane was really on to something. His piece "Giant Steps," on the album of the same name, featured a harmonic structure he had invented that sounded like nothing before it. He entered a period marked by a dismissal of linear melodies, fierce technique, and layers of harmony. In the mid 1960s, he abandoned rigid structures for intense, free improvisation.

Warne Marsh (October 26th, 1927 - December 17th, 1987)
Generally under the radar for most of his career, Warne Marsh played with an almost stoic approach. He valued complex linear melodies over riffs and licks, and his dry tone seemed reserved and pensive, unlike the effusive sounds of Coleman Hawkins and Ben Webster. Although he never earned the recognition of some of his like-minded contemporaries such as Lee Konitz or Lennie Tristano (who was also his teacher), Marsh's influence can be heard in the modern players such as saxophonist Mark Turner and guitarist Kurt Rosenwinkel.

Ornette Coleman (b. March 9th, 1930)
Beginning his career playing blues and R&B music, Coleman turned heads in the 1960s with his “harmolodic” approach — a technique with which he sought to equate harmony, melody, rhythm, and form. He didn’t adhere to conventional harmonic structures and his playing came to be called “free jazz," which was wildly controversial. Since his early days of angering jazz purists, Coleman is now considered the first avant-garde jazz musician. The avant-garde improvisation that he instigated has grown into a substantial and diverse genre.

Joe Henderson (April 24th, 1937 - June 30th, 2001)
Schooled by absorbing the music of all the master saxophonists who preceded him, Joe Henderson developed a style that was simultaneously steeped in yet independent of tradition. He gained attention for his early hard bop work, including an outstanding solo on Horace Silver’s “Song for My Father.” Over the course of his career, he recorded albums ranging from hard bop to experimental projects, and thereby embodied the expanding and evolving jazz culture.

Michael Brecker (March 29th, 1949 – January 13th, 2007)
Combining jazz and rock with supreme agility and finesse, Brecker rose to fame in the 1970s and '80s. He performed with pop acts Steely Dan, James Taylor, and Paul Simon as well as with jazz figures including Herbie Hancock, Roy Hargrove, Chick Corea, and dozens of others. His flawless technique raised the bar for jazz saxophonists to come, and he helped legitimize the role of rock and pop music in jazz styles.

Kenny Garrett (b. October 9th, 1960)
Garrett rose to fame while playing with Miles Davis’ electric band in the 1980s, during which time he developed a novel approach to the alto saxophone. His bluesy and aggressive solos tend to juxtapose his long, wailing notes with clipped, abrasive melodic fragments.

Chris Potter (b. January 1st, 1971)
A child saxophone prodigy, Chris Potter took saxophone technique to a new level. He began his career with trumpeter Red Rodney, and soon became the first choice tenor player for a number of notable bandleaders including Dave Holland, Paul Motian, and Dave Douglas. Having mastered the styles of previous jazz icons, Potter specializes in virtuosic solos built on motives or tone sets. The ease with which he plays in all registers of the saxophone is practically unmatched.

Mark Turner (b. Novermber 10th, 1965)
Heavily influenced by both Coltrane and Warne Marsh, Mark Turner rose to prominence alongside guitarist Kurt Rosenwinkel. His dry tone, angular phrases, and frequent use of the uppermost register of the saxophone make him stand out among contemporary saxophonists. Along with Chris Potter and Kenny Garrett, Turner is one of the most influential saxophonists in jazz today.
jazz.about.com

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Todo empezó con Adolphe Sax, un inventor belga de instrumentos. En 1842, unió una boquilla de clarinete a una creación de latón y le dio el nombre de saxofón. Gracias a su cuerpo cónico de metal, el saxofón era capaz de tocar a volúmenes mucho más altos que otros instrumentos de viento. Utilizado en bandas militares en el siglo XIX, el saxofón tardó un tiempo en ser tomado en serio por los músicos. En la actualidad, es un instrumento básico en el jazz y también desempeña un papel en géneros musicales que van desde la música clásica hasta el pop.

He aquí una breve historia de la progresión de los estilos de tocar el saxofón de jazz, estructurada en torno a las historias de las figuras del jazz.

Sidney Bechet (14 de mayo de 1897 - 14 de mayo de 1959)
Contemporáneo de Louis Armstrong, Sidney Bechet fue quizás el primero en desarrollar un enfoque virtuosístico del saxofón. Tocaba el saxo soprano y, con su tono similar a la voz y su estilo bluesy de improvisación, impulsó la participación del saxofón en los primeros estilos de jazz.

Frankie Trumbauer (30 de mayo de 1901 - 11 de junio de 1956)
Junto al trompetista Bix Beiderbecke, Trumbauer presentó una alternativa refinada al "hot jazz" de las primeras décadas del siglo XX. Saltó a la fama en los años 20 por grabar "Singin' the Blues" en el saxofón C-Melody (a medio camino entre el tenor y el alto) con Beiderbecke. Su tono seco y su estilo tranquilo e introspectivo influyeron en muchos saxofonistas posteriores.

Coleman Hawkins (21 de noviembre de 1904 - 19 de mayo de 1969)
Coleman Hawkins, uno de los primeros virtuosos del saxofón tenor, se hizo famoso por su tono agresivo y su creatividad melódica. Fue una estrella de la orquesta de Fletcher Henderson durante la era del swing en los años veinte y treinta. Su aplicación de conocimientos armónicos avanzados a la improvisación ayudó a allanar el camino para el bebop.

Johnny Hodges (5 de julio de 1906 - 11 de mayo de 1970)
Hodges fue un saxofonista alto más conocido por dirigir la orquesta de Duke Ellington durante 38 años. Tocaba el blues y las baladas con una ternura inigualable. Muy influido por Sidney Bechet, el tono de Hodges gemía con un vibrato rápido y un timbre brillante.

Ben Webster (27 de marzo de 1909 - 20 de septiembre de 1973)
El saxofonista tenor Ben Webster tomaba prestado un tono áspero y agresivo de Coleman Hawkins en los números de blues, e invocaba el sentimentalismo de Johnny Hodges en las baladas. Se convirtió en solista estrella de la orquesta de Duke Ellington y está considerado uno de los tres tenores más influyentes de la era del swing, junto con Hawkins y Lester Young. Su versión de "Cotton Tail" de Ellington es una de las grabaciones más famosas del jazz.

Lester Young (27 de agosto de 1909 - 15 de marzo de 1959)
Con su tono suave y su enfoque relajado de la improvisación, Young presentó una alternativa a los estilos roncos de Webster y Hawkins. Su estilo melódico reflejaba más el de Frankie Trumbauer, y su expresión "cool" dio lugar al movimiento del cool jazz.

Charlie Parker (29 de agosto de 1920 - 12 de marzo de 1955)
Al saxofonista alto Charlie Parker se le atribuye el desarrollo, junto al trompetista Dizzy Gillespie, del rapidísimo y enérgico estilo bebop. La increíble técnica de Parker, junto con su dominio del ritmo y la armonía, le convirtieron en objeto de estudio de prácticamente todos los músicos de jazz en algún momento de su desarrollo.

Sonny Rollins (n. 7 de septiembre de 1930)
Inspirado por Lester Young, Coleman Hawkins y Charlie Parker, Sonny Rollins desarrolló un estilo melódico atrevido y peculiar. El bebop y el calypso han ocupado un lugar destacado a lo largo de su carrera, marcada por el continuo autocuestionamiento y la evolución consciente. A finales de la década de 1950, tras establecerse firmemente como uno de los mejores tenores de llamada, abandonó su carrera durante tres años mientras buscaba un nuevo sonido. Durante este periodo, practicó en el puente de Williamsburg. A día de hoy, Rollins sigue evolucionando y buscando estilos de jazz que expresen mejor su efervescente carácter musical.

John Coltrane (23 de septiembre de 1926 - 17 de julio de 1967)
La influencia de Coltrane es una de las más notables del jazz. Comenzó su carrera modestamente, intentando emular a Charlie Parker. En los años 50, se dio a conocer gracias a sus actuaciones con Miles Davis y Thelonious Monk. Sin embargo, no fue hasta 1959 cuando pareció que Coltrane estaba realmente en lo cierto. Su pieza "Giant Steps", en el álbum del mismo nombre, presentaba una estructura armónica inventada por él que no se parecía a nada anterior. Entró en un periodo marcado por el abandono de las melodías lineales, la técnica feroz y las capas de armonía. A mediados de los sesenta, abandonó las estructuras rígidas por la improvisación libre e intensa.

Warne Marsh (26 de octubre de 1927 - 17 de diciembre de 1987)
Durante la mayor parte de su carrera, Warne Marsh pasó generalmente desapercibido. Valoraba más las melodías lineales complejas que los riffs y los licks, y su tono seco parecía reservado y pensativo, a diferencia de los efusivos sonidos de Coleman Hawkins y Ben Webster. Aunque nunca obtuvo el reconocimiento de algunos de sus contemporáneos afines, como Lee Konitz o Lennie Tristano (que también fue su maestro), la influencia de Marsh se puede escuchar en intérpretes modernos como el saxofonista Mark Turner y el guitarrista Kurt Rosenwinkel.

Ornette Coleman (n. 9 de marzo de 1930)
Coleman, que comenzó su carrera tocando blues y R&B, llamó la atención en la década de 1960 con su enfoque "armolódico", una técnica con la que pretendía equiparar armonía, melodía, ritmo y forma. No se ceñía a las estructuras armónicas convencionales y su forma de tocar pasó a denominarse "free jazz", que fue muy controvertido. Desde sus primeros días de enfado con los puristas del jazz, Coleman es considerado el primer músico de jazz de vanguardia. La improvisación vanguardista que instigó se ha convertido en un género importante y diverso.

Joe Henderson (24 de abril de 1937 - 30 de junio de 2001)
Joe Henderson, que aprendió absorbiendo la música de todos los maestros saxofonistas que le precedieron, desarrolló un estilo que, al mismo tiempo, estaba impregnado de la tradición y era independiente de ella. Llamó la atención por sus primeros trabajos de hard bop, incluido un solo excepcional en "Song for My Father" de Horace Silver. A lo largo de su carrera, grabó álbumes que abarcaban desde el hard bop hasta proyectos experimentales, encarnando así la cultura del jazz en expansión y evolución.

Michael Brecker (29 de marzo de 1949 - 13 de enero de 2007)
Combinando jazz y rock con agilidad y delicadeza supremas, Brecker saltó a la fama en las décadas de 1970 y 1980. Tocó con artistas de pop como Steely Dan, James Taylor y Paul Simon, así como con figuras del jazz como Herbie Hancock, Roy Hargrove, Chick Corea y docenas de otros. Su técnica impecable elevó el listón para los saxofonistas de jazz venideros, y ayudó a legitimar el papel del rock y la música pop en los estilos de jazz.

Kenny Garrett (n. 9 de octubre de 1960)
Garrett saltó a la fama mientras tocaba con la banda eléctrica de Miles Davis en la década de 1980, época en la que desarrolló un novedoso enfoque del saxofón alto. Sus solos bluesy y agresivos tienden a yuxtaponer sus notas largas y ululantes con fragmentos melódicos cortantes y abrasivos.

Chris Potter (n. 1 de enero de 1971)
Niño prodigio del saxofón, Chris Potter llevó la técnica del saxofón a un nuevo nivel. Comenzó su carrera con el trompetista Red Rodney, y pronto se convirtió en el tenor preferido de varios directores de orquesta notables, como Dave Holland, Paul Motian y Dave Douglas. Tras dominar los estilos de anteriores iconos del jazz, Potter se especializa en solos virtuosos construidos sobre motivos o conjuntos de tonos. La facilidad con la que toca en todos los registros del saxofón es prácticamente inigualable.

Mark Turner (n. 10 de noviembre de 1965)
Muy influido por Coltrane y Warne Marsh, Mark Turner saltó a la fama junto al guitarrista Kurt Rosenwinkel. Su tono seco, sus frases angulosas y el uso frecuente del registro más agudo del saxofón le hacen destacar entre los saxofonistas contemporáneos. Junto con Chris Potter y Kenny Garrett, Turner es uno de los saxofonistas más influyentes del jazz actual.
jazz.about.com

Coleman Hawkins • Good Old Broadway

 

Coleman Hawkins Quartet • Today And Now

 

VA • Jazz Dispensary Night Lights

 

Max Roach • We Insist! - Freedom Now Suite

 

En el jazz no abundan los baterías lideres de sus grupos pero cuando hay alguno que lo hace el resultado de su música suele ser excepcional; pasó con Chick Webb en la época del swing, luego con Art Blakey y continuó con nuestro protagonista del mes de Octubre de 2007, el baterista Max Roach, recientemente fallecido.

Max Roach asumía esa aventura en 1953 cuando dejó grabado un disco para el sello «Debut» que contenía su primera composición enteramente en solitario: «Drum Conversation» (posteriormente grabaría Percussion Discussion con el maestro del contrabajo Charles Mingus). Su aportación a la historia del jazz dejó grabados momentos inolvidables cuando colideró junto al trompetista Clifford Brown un quinteto en 1954 que, en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hard-bop y de la década, grabando para el selecto sello «Emarcy» toda una serie de magníficos álbumes.

Tres años mas tarde, y ya tras la muerte de Brown en un accidente de tráfico, su relación con la cantante Abbey Lincoln (que se convirtió en su esposa hasta 1970) radicalizó su conciencia política de negro afroamericano y esa aptitud marcó su posterior carrera, jalonada toda ella, entre 1958 y 1973 de aptitudes, gestos y protestas claramente contestatarias contra el racismo existente en la sociedad norteamericana. Precisamente el disco que traemos a esta sección, está contextualizado en esa época donde Max Roach agudizó su activismo político.

«We Insist! Freedom Now Suite», fue grabado en 1960 para el pequeño sello «Candid» y es una impresionante suite compuesta por Max Roach y el letrista Oscar Brown. En el disco está presente el recuerdo de la esclavitud de los negros afroamericanos en los campos de algodón: «Driva Man»; la segregación racial en los Estados Unidos: «Freedom Day»; la lucha contra el apartheid en Sudáfrica: «Tears for Johannesburg» y la orgullosa reivindicación de sus orígenes ancestrales en África: «All África».

Todos esos sentimientos son expresados en el disco con una fuerza sobrecogedora y con toda la radicalidad política de la que fue capaz de transmitir. Ya en la misma portada del disco se realzaba esa idea cuando el fotógrafo captó la imagen de un camarero blanco, mirando con cara de pocos amigos a tres clientes negros con libros abiertos sobre la barra. Su música es punzante desde el comienzo con los los ritmos africanos del percusionista Michael Olatunji, los cantos yorubas, la voz desafiante de Abbey Lincoln (sostenida solamente por la percusión de Roach en el tema «Triptych») o las violentas y sombrías intervenciones de Booker Little en la trompeta, de Walter Benton en el saxo tenor o de Julián Priester en el trombón. Por si algo le faltaba al disco, Coleman Hawkins está de invitado especial.

El activismo político de Max Roach continuó produciendo escenas curiosas. Al año siguiente y con motivo de la guerra del Congo, tanto él como su esposa Abbey Lincoln, se manifestaron en la sede de Naciones Unidas para protestar por la muerte de Patrice Émery Lumumba, Primer Ministro de la República Democrática del Congo, asesinado en Enero de 1961 por el ejercito sublevado que tomó el poder militar liderado por el entonces coronel Mobutu.

Estamos pues ante un disco que además de ser un alegato político contra el racismo, es también una pieza maestra de la discografía del maestro de la batería, Max Roach. Un hombre y un músico comprometido con su tiempo, incomodo para el poder y con un sentido de la libertad absolutamente inquebrantable.
https://apoloybaco.com/jazz/octubre-2007-max-roach-qwe-insist-freedom-now-suiteq/

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Review by Thom Jurek
The cover art for 1961's We Insist! Max Roach's Freedom Now Suite is a grainy black-and-white photo of three Black men at a lunch counter looking on. There is a white man wearing a soda jerk's uniform apprehensively looking at the camera too. During the heyday of the civil rights era, this was an incendiary comment directed at a still-segregated U.S. that arrived just after the Montgomery Bus Boycott and student lunch counter sit-ins. Roach was a bebop innovator who had recorded several standard-setting outings with trumpeter Clifford Brown, and he was a longtime civil rights activist. He is accompanied on this five-track, 36-minute opus by a cast of assenting musicians including singer Abbey Lincoln, tenor saxophonists Coleman Hawkins and Walter Benton, trumpeter Booker Little (a teenaged Roach protégé), trombonist Julian Priester, bassist James Schenck, conguero Babatunde Olatunji, and percussionists Ray Mantilla and Tomas DuVall.

The suite is divided into sections: "Driva' Man" and "Freedom Day" (both with lyrics by Oscar Brown, Jr.) are set during the Civil War -- although the latter makes room for future struggle. "Triptych" is a three-section duet by Lincoln and Roach rooted in the present-day struggle at home, while the final two movements, "All Africa" and "Tears for Johannesburg," reflect the fight for equality on the African continent.

"Driva' Man" commences with Lincoln singing Brown's lyrics as a deep blues, accompanied only by intermittent snare. The horns enter along with Schenk. Hawkins delivers an uncharacteristically gritty, almost guttural, angular solo, instrumentally expressing the blues sung by Lincoln to highlight the harsh realities and indignity endured by Black people since slavery. "Freedom Day" offers the three-horn frontline introducing Lincoln with a hard bop vamp. Little claims the foreground with a commanding solo rooted in color and sorrowful melodic invention, followed by impressive solos from Benton, Priester, and Roach. "Triptych: Prayer/Protest/Peace" is a centerpiece duet between the drummer and Lincoln, and one of the most abstract tunes either artist ever cut. She intones wordlessly before the intensity ratchets, and begins screaming to meet the drummer's frenetic rolls, fills, and accents before coming full circle. Lincoln sings Brown's words again on "All Africa," driven by Olatunji and the other percussionists. The lyric "It began with a beat and a hum" introduces an exposition on Black music and culture's central place in the development of history and civilization. Roach's closer "Tears for Johannesburg" also offers bluesy, wordless singing from Lincoln. Driven by the composer's and Schenk's taut vamps, the frontline horns meld Latin and African folk music, modal jazz, hard bop, and even classical music in a swinging, incantatory flow underscored by fluid, fiery improvising from Roach and the percussionists.

Despite its rather rudimentary recording quality, the music on We Insist! remains urgent, relevant, and provocative. Its assertion that freedom and equality are necessary for society to function and thrive resonates as poignantly and intensely amid the global civil rights struggles of the 21st century as it did in the 20th. 
https://www.allmusic.com/album/we-insist%21-max-roachs-freedom-now-suite-mw0000194826


 

Coleman Hawkins With Eddie Lockjaw Davis • Night Hawk

 

Django Reinhardt • With his American Friends

 

Paul Bley • A Free Spirit

 

Biography by arwulf arwulf
Pianist Paul Bley took the styles and techniques associated with Oscar Peterson, Wynton Kelly, and Bill Evans to new levels of creative experimentation, becoming an indispensable force in modern music by combining the best elements in bop and early modern jazz with extended free improvisation and procedural dynamics often found in 20th-century chamber music. This approach places him in league with such diverse artists as Red Garland, Mal Waldron, Jaki Byard, Andrew Hill, Sun Ra, and Marilyn Crispell. Even a cursory overview of Bley's life and work can be pleasantly overwhelming, for he is among the most heavily recorded of all jazz pianists and his story is inextricably intertwined with the evolution of modern jazz during the second half of the 20th century. His three dates with Jimmy Giuffre's trio, most notably 1961's Free Fall, were landmark studies in vanguard modalism. With Barrage from 1965 and Mr. Joy from 1968, the pianist became familiar to many American jazz fans. In the early '70s, Bley issued the piano solo offering Open, To Love -- it remains his most prophetic and lyrical solo offering, laying out the juxtapositions for pointillism and space that would mark his career. He also resumed working with Giuffre during the late part of the decade and into the early '80s. Bley was prolific in the 1990s as a leader and as a collaborator. He took part in several historic dates, including Annette with Franz Koglmann and Gary Peacock, Memoirs with Charlie Haden and Motian, a pair of ECM trio dates with Barre Phillips and Evan Parker (Time Will Tell and Sankt Gerold Variations), and Not Two, Not One with Peacock and Motian. Bley began the 21st century as active as he had left the 20th, working as a collaborator with Kenny Millions, Mario Pavone, and a young Jakob Bro. The final two recordings credited to Bley as a leader were solo offerings: the studio album About Time, in 2007, and Play Blue (Oslo Concert), recorded in 2008 but unissued until 2014.

Hyman Paul Bley was born in Montreal, Canada, on November 10, 1932. A violin prodigy at five, he began playing piano at eight and studied at the McGill Conservatorium, earning his diploma at age 11. Before long, Hy "Buzzy" Bley was sitting in with jazz bands and had formed his own group. Already a skilled pianist, he landed a steady gig at the Alberta Lounge soon after Oscar Peterson left to begin working for Norman Granz in 1949. The following year, Bley continued his musical education at the Juilliard School in New York while gigging in the clubs with trumpeter Roy Eldridge, trombonist Bill Harris, and saxophonists Ben Webster, Sonny Rollins, and Charlie Parker. While enrolled at Juilliard, he played in a group with trumpeter Donald Byrd, saxophonist Jackie McLean, bassist Doug Watkins, and drummer Art Taylor. He also hung out at Lennie Tristano's residential studio, absorbing ideas. During the 1980s, Bley was restless: he recorded for acclaimed dates for Soul Note, SteepleChase (including a duo-led set with Chet Baker entitled Diane), ECM, and Owl.

The 1990s marked Bley's most prolific period as a recording artist. He toured constantly, recorded often, and took part in several historic recordings including Annette, with Franz Koglmann and Peacock, and Time Will Tell, with Barre Phillips and Evan Parker. The latter grouping toured extensively and in 2000 issued Sankt Gerold Variations on ECM. While he didn't issue nearly as much (comparatively, at least) under his own name for the remainder of his life, Bley was an active collaborator and sideman, working with everyone from Mario Pavone and Andreas Willers to Benjamin Koppel and Jakob Bro, while his discography as both leader and sideman saw many titles reissued.

Paul Bley's earliest known recordings survive as soundtracks from Canadian television; the first was in 1950 with tenor saxophonist Brew Moore and the second in February 1953 with Charlie Parker, special invited guest of the Montreal Jazz Workshop, an artist-run organization Bley helped to establish. His first studio recording date took place in November 1953 with bassist Charles Mingus and drummer Art Blakey. The young pianist's constant interaction with archetypal and influential musicians was phenomenal; he also sat in with trumpeter Chet Baker and saxophonist Lester Young. In 1954 he led three different recording sessions with bassists Peter Ind and Percy Heath, and drummer Alan Levitt. At this stage of his career, Paul Bley was an inspired, extremely adept bop pianist whose first decisively innovative period was just about to commence.

The plot thickened when Bley moved to California in 1957 and began holding down a steady engagement at the Hillcrest Club in Los Angeles, where he was recorded in 1958 with saxophonist Ornette Coleman, trumpeter Don Cherry, bassist Charlie Haden, and drummer Billy Higgins. He also performed with Canadian trumpeter Herb Spanier and recorded an album with vibraphonist Dave Pike, featuring liner notes and one composition by Karen Borg, a brilliant musician who married the pianist in 1957 and changed her name to Carla Bley. In 1959, the Bleys moved to New York City, where they continued to interact with musicians who were operating on the cutting edge of modern jazz, including multi-instrumentalist Roland Kirk, saxophonist and composer Oliver Nelson; composer and bandleader George Russell; composer, bassist, and bandleader Charles Mingus; trumpeter and bandleader Don Ellis; bassists Gary Peacock and Steve Swallow; drummer Pete La Roca; and multi-reedman Jimmy Giuffre. In 1961, Paul Bley made his first visit to Europe.

In 1963, Bley toured Japan with Sonny Rollins and participated in the tenor saxophonist's historic jousting session with Coleman Hawkins. The following year, Paul and Carla Bley accepted trumpeter Bill Dixon's invitation to join the Jazz Composer's Guild. This brought them into direct contact with Austrian-American composer and trumpeter Michael Mantler; trombonists Bennie Green and Roswell Rudd; saxophonists Archie Shepp and John Tchicai; and pianist Cecil Taylor. Bley, who also worked with saxophonist Albert Ayler, taped a session with tenor saxophonist John Gilmore, bassist Gary Peacock, and drummer Paul Motian, and then began recording for the independent ESP-Disk label.

Barrage featured a quintet with bassist Eddie Gomez, drummer Milford Graves, and two musicians who, like Gilmore, were closely affiliated with Sun Ra: trumpeter Dewey Johnson and altoist Marshall Allen. All of the pieces were composed by Carla Bley. Recorded in 1965 and released as Closer, the first of many albums involving drummer Barry Altschul featured works by Carla Bley, Ornette Coleman, and Gary Peacock's wife, Annette Peacock. Several trio projects materialized in Scandinavia during the years 1965-1966; from this point on, Bley would spend increasing amounts of time performing and recording in Europe.

Soon after he was divorced from Carla Bley in 1967, Paul Bley married composer and vocalist Annette Peacock. As was the case with Carla, the influence of this woman upon Paul Bley was profound and lasting, as he combined his own continuously evolving improvisational methodology with her intriguing tonal formations. She sometimes sang with Bley's groups as he began to experiment with electronic instrumentation including ARP and Moog synthesizers. Recorded in December 1970 and January 1971, an album called the Paul Bley Synthesizer Show spotlighted the futuristic instrument backed by multiple players including drummers Bobby Moses and Han Bennink. In 1972, the Bley/Annette Peacock partnership was dissolved.

Two years later, Bley and his new companion, video artist Carol Goss, founded the Improvising Artists record label. Soon they set precedents for the gradually emerging format of music videos. During two back-to-back sessions in 1974, Bley introduced to the scene a pair of promising young musicians: guitarist Pat Metheny and bassist Jaco Pastorius. Bley and Goss were married in 1980 and soon moved the Improvising Artists operation out of New York City to Cherry Valley in central New York State. The '80s saw Bley reaffirming his links with the Canadian music scene while engaging in recording projects with saxophonist John Surman; guitarists John Abercrombie, John Scofield, and Bill Frisell; bassists Jesper Lundgaard, Red Mitchell, Ron McClure, and Bob Cranshaw; and drummers George Cross McDonald, Aage Tanggaard, Keith Copeland, and Billy Hart.

Throughout the '90s, Paul Bley's creative activities became ever more diverse and international in scope. This healthy tendency was epitomized by a hat ART album bearing the title 12 (+6) In a Row, recorded in Boswil, Switzerland, during May 1990 with flügelhornist Franz Koglmann and clarinetist/saxophonist Hans Koch. Other collaborations from this period involved vibraphonist Gary Burton, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and vocalist Tiziana Ghiglioni. In 1993, Bley, now a faculty member of the New England Conservatory of Music, released an album of piano solos with overdubbed synthesizers called Synth Thesis. His seemingly inexhaustible appetite for creative interaction with modern improvisers led him to record with trumpeter Kenny Wheeler; saxophonists Lee Konitz, Evan Parker, and Ralph Simon; guitarist Sonny Greenwich; bassists Jay Anderson, Dave Young, and Barre Phillips; drummers Stich Wynston, Adam Nussbaum, and Bruce Ditmas; pianists Satoko Fuji, Stéphan Oliva, and Hans Ludemann; and violinist Jean-Luc Ponty, as well as poet and vocalist Paul Haines. In 1997, Bley was heard with an ensemble led by bassist and composer Maarten Altena.

During the first decade of the 21st century, Bley recorded with saxophonists Keshavan Maslak, François Carrier, and Yuri Honing; guitarist Andreas Willers; bassist Mario Pavone; and vocalist Jeannette Lambert. He also released several solo albums, including 2004's Nothing to Declare, 2008's About Time, and 2014's Play Blue: Oslo Concert, which documented his 2008 performance at the Oslo Jazz Festival. Bley was also named a member of the Order of Canada in 2008, in honor of his contributions to jazz.

Bley died of natural causes on January 3, 2016, at his Florida home. He was 83 years old. In 2019, ECM issued the archival When Will the Blues Leave, a trio concert with Peacock and Motian captured in Switzerland in 1999. https://www.allmusic.com/artist/paul-bley-mn0000745617#biography

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Biografía de arwulf arwulf
El pianista Paul Bley llevó los estilos y técnicas asociados con Oscar Peterson, Wynton Kelly y Bill Evans a nuevos niveles de experimentación creativa, convirtiéndose en una fuerza indispensable en la música moderna al combinar los mejores elementos del bop y el jazz moderno temprano con una improvisación libre extendida y dinámicas de procedimiento que a menudo se encuentran en la música de cámara del siglo XX. Este enfoque lo coloca en alianza con artistas tan diversos como Red Garland, Mal Waldron, Jaki Byard, Andrew Hill, Sun Ra y Marilyn Crispell. Incluso una visión superficial de la vida y obra de Bley puede resultar agradablemente abrumadora, ya que se encuentra entre los pianistas de jazz más grabados y su historia está inextricablemente entrelazada con la evolución del jazz moderno durante la segunda mitad del siglo XX. Sus tres citas con el trío de Jimmy Giuffre, sobre todo Free Fall de 1961, fueron estudios emblemáticos en el modalismo de vanguardia. Con Barrage de 1965 y Mr. Joy de 1968, el pianista se hizo familiar para muchos fanáticos del jazz estadounidense. A principios de los 70, Bley lanzó la oferta de piano solo Open, To Love remains sigue siendo su oferta solista más profética y lírica, presentando las yuxtaposiciones de puntillismo y espacio que marcarían su carrera. También reanudó su trabajo con Giuffre a fines de la década y principios de los 80. Bley fue prolífico en la década de 1990 como líder y colaborador. Participó en varias fechas históricas, incluidas Annette con Franz Koglmann y Gary Peacock, Memoirs con Charlie Haden y Motian, un par de fechas del trío ECM con Barre Phillips y Evan Parker (Time Will Tell y Variaciones de Sankt Gerold), y Not Two, Not One con Peacock y Motian. Bley comenzó el siglo XXI tan activo como había dejado el XX, trabajando como colaborador de Kenny Millions, Mario Pavone y un joven Jakob Bro. Las dos últimas grabaciones acreditadas a Bley como líder fueron ofertas en solitario: el álbum de estudio About Time, en 2007, y Play Blue (Concierto de Oslo), grabado en 2008 pero sin publicar hasta 2014.

Hyman Paul Bley nació en Montreal, Canadá, el 10 de noviembre de 1932. Prodigio del violín a los cinco años, comenzó a tocar el piano a los ocho y estudió en el Conservatorio McGill, obteniendo su diploma a los 11 años. En poco tiempo, Hy "Buzzy" Bley estaba sentado con bandas de jazz y había formado su propio grupo. Ya era un pianista habilidoso, consiguió un concierto estable en el Alberta Lounge poco después de que Oscar Peterson se fuera para comenzar a trabajar para Norman Granz en 1949. Al año siguiente, Bley continuó su educación musical en la Juilliard School de Nueva York mientras tocaba en clubes con el trompetista Roy Eldridge, el trombonista Bill Harris y los saxofonistas Ben Webster, Sonny Rollins y Charlie Parker. Mientras estaba inscrito en Juilliard, tocó en un grupo con el trompetista Donald Byrd, la saxofonista Jackie McLean, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Taylor. También pasaba el rato en el estudio residencial de Lennie Tristano, absorbiendo ideas. Durante la década de 1980, Bley estaba inquieto: grabó para aclamadas fechas de Soul Note, SteepleChase (incluido un set dirigido por un dúo con Chet Baker titulado Diane), ECM y Owl.

La década de 1990 marcó el período más prolífico de Bley como artista discográfico. Realizó giras constantemente, grabó a menudo y participó en varias grabaciones históricas, incluidas Annette, con Franz Koglmann y Peacock, y Time Will Tell, con Barre Phillips y Evan Parker. Esta última agrupación realizó una extensa gira y en 2000 publicó Variaciones de Sankt Gerold sobre ECM. Si bien no emitió casi tanto (comparativamente, al menos) bajo su propio nombre durante el resto de su vida, Bley fue un colaborador activo y acompañante, trabajando con todos, desde Mario Pavone y Andreas Willers hasta Benjamin Koppel y Jakob Bro, mientras que su discografía como líder y acompañante vio reeditados muchos títulos.

Las primeras grabaciones conocidas de Paul Bley sobreviven como bandas sonoras de la televisión canadiense; la primera fue en 1950 con el saxofonista tenor Brew Moore y la segunda en febrero de 1953 con Charlie Parker, invitado especial del Montreal Jazz Workshop, una organización dirigida por artistas que Bley ayudó a establecer. Su primera fecha de grabación en estudio tuvo lugar en noviembre de 1953 con el bajista Charles Mingus y el baterista Art Blakey. La interacción constante del joven pianista con músicos arquetípicos e influyentes fue fenomenal; también se sentó con el trompetista Chet Baker y el saxofonista Lester Young. En 1954 dirigió tres sesiones de grabación diferentes con los bajistas Peter Ind y Percy Heath, y el baterista Alan Levitt. En esta etapa de su carrera, Paul Bley era un pianista inspirado y extremadamente hábil de la bop cuyo primer período decisivamente innovador estaba a punto de comenzar.

La trama se complicó cuando Bley se mudó a California en 1957 y comenzó a mantener un compromiso estable en el Hillcrest Club de Los Ángeles, donde grabó en 1958 con el saxofonista Ornette Coleman, el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y el baterista Billy Higgins. También actuó con el trompetista canadiense Herb Spanier y grabó un álbum con el vibrafonista Dave Pike, con notas y una composición de Karen Borg, una brillante músico que se casó con la pianista en 1957 y cambió su nombre a Carla Bley. En 1959, los Bley se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde continuaron interactuando con músicos que operaban a la vanguardia del jazz moderno, incluido el multiinstrumentista Roland Kirk, el saxofonista y compositor Oliver Nelson; el compositor y director de orquesta George Russell; el compositor, bajista y director de orquesta Charles Mingus; el trompetista y director de orquesta Don Ellis; los bajistas Gary Peacock y Steve Swallow; el baterista Pete La Roca; y Jimmy Giuffre. En 1961, Paul Bley hizo su primera visita a Europa.

En 1963, Bley realizó una gira por Japón con Sonny Rollins y participó en la histórica sesión de justas del saxofonista tenor con Coleman Hawkins. Al año siguiente, Paul y Carla Bley aceptaron la invitación del trompetista Bill Dixon para unirse al Gremio de Compositores de Jazz. Esto los puso en contacto directo con el compositor y trompetista austríaco-estadounidense Michael Mantler; los trombonistas Bennie Green y Roswell Rudd; los saxofonistas Archie Shepp y John Tchicai; y el pianista Cecil Taylor. Bley, quien también trabajó con el saxofonista Albert Ayler, grabó una sesión con el saxofonista tenor John Gilmore, el bajista Gary Peacock y el baterista Paul Motian, y luego comenzó a grabar para el sello independiente ESP-Disk.

Barrage presentó un quinteto con el bajista Eddie Gomez, el baterista Milford Graves y dos músicos que, como Gilmore, estaban estrechamente afiliados a Sun Ra: el trompetista Dewey Johnson y el altoista Marshall Allen. Todas las piezas fueron compuestas por Carla Bley. Grabado en 1965 y lanzado como Closer, el primero de muchos álbumes con el baterista Barry Altschul presentó obras de Carla Bley, Ornette Coleman y la esposa de Gary Peacock, Annette Peacock. Varios proyectos trío se materializaron en Escandinavia durante los años 1965-1966; a partir de este momento, Bley pasaría cada vez más tiempo actuando y grabando en Europa.

Poco después de divorciarse de Carla Bley en 1967, Paul Bley se casó con la compositora y vocalista Annette Peacock. Como fue el caso de Carla, la influencia de esta mujer sobre Paul Bley fue profunda y duradera, ya que combinó su propia metodología de improvisación en continua evolución con sus intrigantes formaciones tonales. A veces cantaba con los grupos de Bley cuando él comenzó a experimentar con instrumentación electrónica, incluidos los sintetizadores ARP y Moog. Grabado en diciembre de 1970 y enero de 1971, un álbum llamado The Paul Bley Synthesizer Show destacó el instrumento futurista respaldado por varios músicos, incluidos los bateristas Bobby Moses y Han Bennink. En 1972, se disolvió la sociedad Bley/Annette Peacock.

Dos años más tarde, Bley y su nueva compañera, la videoartista Carol Goss, fundaron el sello discográfico Improvising Artists. Pronto sentaron precedentes para el formato gradualmente emergente de videos musicales. Durante dos sesiones consecutivas en 1974, Bley presentó a la escena a un par de jóvenes músicos prometedores: el guitarrista Pat Metheny y el bajista Jaco Pastorius. Bley y Goss se casaron en 1980 y pronto trasladaron la operación de Improvising Artists fuera de la ciudad de Nueva York a Cherry Valley, en el centro del estado de Nueva York. Los años 80 vieron a Bley reafirmar sus vínculos con la escena musical canadiense mientras participaba en proyectos de grabación con el saxofonista John Surman; los guitarristas John Abercrombie, John Scofield y Bill Frisell; los bajistas Jesper Lundgaard, Red Mitchell, Ron McClure y Bob Cranshaw; y los bateristas George Cross McDonald, Aage Tanggaard, Keith Copeland y Billy Hart.

A lo largo de los años 90, las actividades creativas de Paul Bley se volvieron cada vez más diversas y de alcance internacional. Esta saludable tendencia fue personificada por un álbum de hat ART con el título 12 (+6) Seguidos, grabado en Boswil, Suiza, durante mayo de 1990 con el flügelhornista Franz Koglmann y el clarinetista/saxofonista Hans Koch. Otras colaboraciones de este período incluyeron al vibrafonista Gary Burton, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y la vocalista Tiziana Ghiglioni. En 1993, Bley, ahora miembro de la facultad del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, lanzó un álbum de solos de piano con sintetizadores sobregrabados llamado Synth Thesis. Su apetito aparentemente inagotable por la interacción creativa con improvisadores modernos lo llevó a grabar con el trompetista Kenny Wheeler; los saxofonistas Lee Konitz, Evan Parker y Ralph Simon; el guitarrista Sonny Greenwich; los bajistas Jay Anderson, Dave Young y Barre Phillips; los bateristas Stich Wynston, Adam Nussbaum y Bruce Ditmas; los pianistas Satoko Fuji, Stéphan Oliva y Hans Ludemann; y el violinista Jean-Luc Ponty, así como el poeta y vocalista Paul Haines. En 1997, Bley se escuchó con un conjunto dirigido por el bajista y compositor Maarten Altena.

Durante la primera década del siglo XXI, Play grabó con los saxofonistas Keshavan Maslak, François Carrier y Yuri Honing; el guitarrista Andreas Willers; el bajista Mario Pavone; y la vocalista Jeannette Lambert. También lanzó varios álbumes en solitario, incluidos Nothing to Declare del 2004, About Time del 2008 y Play Blue: Oslo Concert del 2014, que documentó su actuación en el Festival de Jazz de Oslo en el 2008. Bley también fue nombrado miembro de la Orden de Canadá en 2008, en honor a sus contribuciones al jazz.

Bley murió de causas naturales el 3 de enero de 2016 en su casa de Florida. Tenía 83 años. En 2019, ECM publicó el archivo When Will the Blues Leave, un concierto en trío con Peacock y Motian capturado en Suiza en 1999. https://www.allmusic.com/artist/paul-bley-mn0000745617#biography

VA • Autour De Minuit - Saxophone Ballads

Ben Webster, Coleman Hawkins, Gerry Mulligan, John Coltrane, Lester Young, Stan Getz ...

Coleman Hawkins • Desafinado

 

Review by Michael G. Nastos
That Coleman Hawkins jumped on the jazz/bossa nova bandwagon craze initiated by Stan Getz in 1962 was a bit of a surprise to his fans, but that he was comfortable in the idiom should not be off-putting. Able to adapt to any style over his lengthy career, the legendary tenor saxophonist chose classic standards adapted to Brazilian rhythms, music from masters like Antonio Carlos Jobim and João Gilberto, and a Manny Albam original. Producer Bob Thiele and music director Albam were strong in their resolve directing Hawkins to do this project, and the results are fairly predictable, especially considering that every single track is played in midtempo. The difference is the deployment of two guitarists in Barry Galbraith (lead) and Howard Collins (rhythm) split into separate stereo channels, with bassist Major Holley and no full kit drummer, although Eddie Locke with a minimal and stripped-down setup, Willie Rodriguez, and even Tommy Flanagan play small Latin percussion instruments. Themes derived from nights in Rio such as the beautifully rendered title track and "One Note Samba" are quite typical, but "O Pato" (The Duck) has a component added on from Duke Ellington's "Take the 'A' Train," while the Hawkins original "Stumpy" is adapted into "Stumpy Bossa Nova," derived from Dizzy Gillespie's "Groovin' High" with a taste of "The Man I Love" tacked on at the end. Albam's "Samba Para Bean" is standardized cool with Locke's accents via brushes on closed hi-hat cymbals, while "I Remember You" is a completely unforced, pretty rendition of this well-worn standard. Gilberto's tribute to Luiz Bonfá, "Um Abraco No Bonfa," sports a guitar lead by Galbraith in a stretched-out frame. The curve ball is a somewhat weird crossbred samba take of "I'm Looking Over a Four Leaf Clover," a truly corny song the band tried to make cool, only marginally succeeding. The simplified style of this album overall perfectly suited the amiable, good-natured, and laid-back Hawkins at a time when the world was somewhat in political turmoil regarding Caribbean nations and the role of South America in the emerging so-called Third World. He passed away seven years later, leaving a legacy as the most revered tenor saxophonist in jazz, and this very nice recording in his long discography, unique even unto itself.
 

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Reseña de Michael G. Nastos
Que Coleman Hawkins se subiera a la moda del jazz/bossa nova iniciada por Stan Getz en 1962 fue una pequeña sorpresa para sus fans, pero que se sintiera cómodo en el idioma no debería ser un inconveniente. Capaz de adaptarse a cualquier estilo a lo largo de su dilatada carrera, el legendario saxofonista tenor eligió estándares clásicos adaptados a los ritmos brasileños, música de maestros como Antonio Carlos Jobim y João Gilberto, y un original de Manny Albam. El productor Bob Thiele y el director musical Albam se mostraron firmes en su decisión de dirigir a Hawkins para realizar este proyecto, y los resultados son bastante predecibles, sobre todo si se tiene en cuenta que todos los temas se tocan a medio tempo. La diferencia es el despliegue de dos guitarristas en Barry Galbraith (principal) y Howard Collins (rítmico) divididos en canales estéreo separados, con el bajista Major Holley y sin batería completa, aunque Eddie Locke con una configuración mínima y despojada, Willie Rodríguez, e incluso Tommy Flanagan tocan pequeños instrumentos de percusión latina. Los temas derivados de las noches en Río, como el bonito tema del título y "One Note Samba", son bastante típicos, pero "O Pato" tiene un componente añadido de "Take the 'A' Train" de Duke Ellington, mientras que el original de Hawkins "Stumpy" se adapta a "Stumpy Bossa Nova", derivado de "Groovin' High" de Dizzy Gillespie con un toque de "The Man I Love" añadido al final. La "Samba Para Bean" de Albam se estandariza con los acentos de Locke a través de las escobillas en los platillos cerrados del hi-hat, mientras que "I Remember You" es una interpretación completamente no forzada y bonita de este estándar tan trillado. El homenaje de Gilberto a Luiz Bonfá, "Um Abraco No Bonfa", cuenta con una guitarra principal de Galbraith en un marco alargado. La bola curva es una toma de samba mestiza un tanto extraña de "I'm Looking Over a Four Leaf Clover", una canción realmente cursi que la banda intentó hacer cool, consiguiéndolo sólo marginalmente. El estilo simplificado de este álbum encajaba perfectamente con el afable, bondadoso y relajado Hawkins en un momento en el que el mundo estaba algo revuelto políticamente con respecto a las naciones caribeñas y el papel de Sudamérica en el emergente llamado Tercer Mundo. Falleció siete años después, dejando un legado como el saxofonista tenor más venerado del jazz, y esta grabación tan bonita en su larga discografía, única incluso en sí misma.

Charlie Parker • Jazz At The Philharmonic 1946

 

Review by Ken Dryden
The 1946 Jazz at the Philharmonic concerts were true all-star events. This CD compiles portions of two different evenings. The first track, from January, includes trumpeters Dizzy Gillespie, Al Kilian, and Howard McGhee and saxophonists Charlie Parker, Willie Smith, Charlie Ventura, and Lester Young in thae front line. Young, having recently gotten out of the military service, is still not at full strength, with Parker and Gillespie taking charge in the rousing "Sweet Georgia Brown." McGhee takes Dizzy's place on the remaining January numbers. Parker, Smith, and Young are on hand for the April show, adding tenor saxophonist Coleman Hawkins and trumpeter Buck Clayton battling it out in an old-fashioned jam session on-stage. In the opening "J.A.T.P. Blues," Parker and Hawkins outshine the others, while "I Got Rhythm" gets things percolating and enlivens the crowd in an extended workout. Unlike later Jazz at the Philharmonic shows, the rhythm section is merely average, aside from pianist Mel Powell's contributions to "Sweet Georgia Brown." The audio is quite good for the era, considering the limitations of live recording in a large hall in 1946.
https://www.allmusic.com/album/at-the-1946-jatp-concert-mw0000083724

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Crítica de Ken Dryden
Los conciertos de Jazz at the Philharmonic de 1946 fueron auténticos acontecimientos estelares. Este CD recopila partes de dos veladas diferentes. La primera pista, de enero, incluye a los trompetistas Dizzy Gillespie, Al Kilian y Howard McGhee y a los saxofonistas Charlie Parker, Willie Smith, Charlie Ventura y Lester Young en primera línea. Young, recién salido del servicio militar, aún no está a pleno rendimiento, y Parker y Gillespie toman el mando en la entusiasta «Sweet Georgia Brown». McGhee ocupa el lugar de Dizzy en los restantes números de enero. Parker, Smith y Young están presentes en el concierto de abril, añadiendo al saxofonista tenor Coleman Hawkins y al trompetista Buck Clayton, que se baten en una jam session a la vieja usanza en el escenario. En el primer tema, «J.A.T.P. Blues», Parker y Hawkins eclipsan a los demás, mientras que «I Got Rhythm» pone las cosas en su sitio y anima al público en un largo entrenamiento. A diferencia de los conciertos posteriores de Jazz at the Philharmonic, la sección rítmica es simplemente regular, aparte de las contribuciones del pianista Mel Powell en «Sweet Georgia Brown». El sonido es bastante bueno para la época, teniendo en cuenta las limitaciones de la grabación en directo en una gran sala en 1946.
https://www.allmusic.com/album/at-the-1946-jatp-concert-mw0000083724

Coleman Hawkins • Sirius

 

Review
by Scott Yanow
Hawkins's final studio session is rather sad. Due to an excess of drink and his unwillingness to eat, the great tenor-saxophonist went steadily downhill between 1965 and his death four years later. Recorded in late 1966, this quartet set finds Hawk constantly short of breath and unable to play long phrases. He is able to get away with this deficiency on the faster pieces but the ballads are rather painful to hear. Even at this late stage Hawkins still had his majestic tone but this recording is only of historical interest.
https://www.allmusic.com/album/sirius-mw0000192989

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Reseña
por Scott Yanow
La última sesión de estudio de Hawkins es bastante triste. Debido a un exceso de bebida y a su desgana por comer, el gran tenor-saxofonista fue de mal en peor entre 1965 y su muerte cuatro años más tarde. Grabado a finales de 1966, este cuarteto muestra a Hawk constantemente falto de aliento e incapaz de tocar frases largas. Es capaz de salir airoso de esta deficiencia en las piezas más rápidas, pero las baladas son bastante dolorosas de escuchar. Incluso en esta última etapa, Hawkins conservaba su tono majestuoso, pero esta grabación sólo tiene interés histórico.
https://www.allmusic.com/album/sirius-mw0000192989

Coleman Hawkins • Supreme